Hace aproximadamente un año y medio realizamos una convocatoria para elegir al artista de la semana, que sería publicado en el blog de CROMA. De entre todas las propuestas que recibimos, hemos seleccionado a est@s 7 artistas que te presentamos a continuación, todos ellas muy diversas en cuanto a temática, técnica y procedencia y, a la vez, muy interesantes.

En este año 2015 volveremos a abrir la convocatoria para promocionar las obras artísticas de los creadores actuales y dar a conocer sus obras. En breve tendremos más noticias, ahora, te presentamos a los artistas seleccionados en la pasada edición.

Por cierto, ¿conoces el libro Por Qué Estudiar Historia del Arte?

Te recomiendo que le eches un vistazo.

Úrsula Ochoa

Úrsula Ochoa - Serie Misóginos

Úrsula Ochoa – Serie Misóginos.

El trabajo de Úrsula Ochoa se caracteriza por cuestionar de manera directa los roles femeninos a través de la historia del arte y de la cultura, investigando dónde han estado las mujeres, cuál ha sido realmente su identidad y por qué seguimos definiéndonos a través de legados patriarcales. Para esto, utiliza como apoyo principal las imágenes de archivos, recortes de prensa, libros e imágenes de revistas. Como medios utiliza la fotografía de archivo, intervenida mediante la construcción digital, paralelamente utiliza conceptos y medios pictóricos, así como acciones performáticas que evidencian las condiciones adversas de un «ser» femenino, en el hogar, en el arte y en el mundo.

Una de sus acciones performativas más importantes ha sido DOMÉSTICAS fue una acción donde la artista (junto con Daysy Echeverry López y Milena Zapata) establece una relación entre el oficio doméstico y el cuerpo femenino. En esta performance, Úrsula impregnaba una serie de lienzos con sangre de res, realizando la misma acción que en un oficio como trapear, lavar o limpiar. Las telas finales quedan con un gesto y una huella diferente, Estas son exhibidas posteriormente como pinturas.

Katia Muñoz

Katia Muñoz

Katia Muñoz es una artista multidiciplinar con una trayectoria que comienza en 1995. Ha expuesto su obra en diferentes países de América y Europa. Artista exclusiva de la Galería Tornby de Dinamarca. Seleccionada en 2011 para la Expo ELA Bruselas. Creadora y gestora del Colectivo Femenino Virtual Proyecto Art-Esencia, realizando proyectos sobre temas de género y multiculturalidad.

Katia fundó Proyecto Perú Arte Contemporaneo, grupo de artistas peruanos residentes en España con el que participó en ARTERIA 2010-Feria de Arte Contemporaneo, siendo Perú el pais invitado junto a Polonia.

Ella tiene una gran capacidad de trasmitir su contenido emocional con una fantasía más apegada al abstracto pero también usando recursos figurativos, usa los fundamentos de una síntesis en la que el color se organiza desde su necesidad interior. A sí mismo, en la fotografía experimenta en el negativo y en el laboratorio convencional bajo la premisa de “pintar con la luz”.

Katia es también fundadora y gestora del Colectivo Femenino Virtual Proyecto Art-Esencia, con la que realiza proyectos e instalaciones multidiciplinares sobre temas de género y multiculturalidad.

Encarnación Domingo

Línea del horizonte. (Técnica mixta sobre aluminio 112x80 cm.)

Línea del horizonte. (Técnica mixta sobre aluminio 112×80 cm.)

La obra de Encarnación Domingo trata de alcanzar la esencia de la naturaleza mediante la depuración continua de líneas y formas para poder reducir el objeto a la línea pura, a lo esencial. Una esquematización de la naturaleza. Se trata de un minimalismo muy depurado, en la línea de artistas como Richard Serra, Sol Lewitt o Carl André. Su obra recibe además una cierta influencia del Constructivismo (Malevich) o de la abstracción de artista como Fernando Zobel.

Sus paisajes desoladores y nostálgicos, en tonalidades oscuras (blancos, negros, grises), reducidos a franjas geométricas de color que evocan perfectamente esa esencia pura del paisaje, parecen representar el silencio. Escenas costeras, dunas playas Paisajes desnudos hasta el punto de tornarse en franjas que dividen los diferentes espacios: cielo, mar y tierra.

Muy llamativa es la ausencia total de la figura humana en sus obras, dejando así el máximo protagonismo a la naturaleza. También encontramos algunas piezas pictóricas, más cercanas al expresionismo, donde apreciamos una gama cromática más clara y una cierta figuración.

Alicia Martín Fernández

alicia-martin

La pintura de Alicia Martín recorre un mundo simbólico que habla de la existencia humana, sus autorretratos nos recuerdan a las Venus del Paleolítico, llenas de vida y anunciando la fertilidad.

En sus obras emergen objetos como escaleras, casas, flores, conchas, etc, que nos hablan de la condición humana. Una escalera de la vida donde todo tiene un principio y un fin, cuerpos que bailan solos, o rodeados de objetos, flores, casas… qué danzan al unísono.

Para ella la pintura es ineludiblemente una forma de vivir, de existir, de adquirir el propio reconocimiento personal, de localizar entre la multitud la identidad, su identidad. La pintura, como se sabe, se apropia de los materiales terrestres para expresar nuestra idea de la belleza, nuestra visión del mundo, para contar historias…

Para Alicia Martín pintar también es un juego, dónde se encuentran trazos, donde se experimenta con el color, la luz… un juego que nos habla también nuestra existencia. Elementos que nos hablan de un mundo efímero, de nuestra soledad envuelta en un velo de erotismo. El sexo y el amor forman parte de la vida, amamos cuando estamos vivos, la pintura es a su vez una burla a la muerte.

Elisa Merino

Escapularios, ofrenda. Instalación interactiva.

Elisa Merino, Escapularios, ofrenda. Instalación interactiva.

La artista de origen salmantino Elisa Merino se forma en Valencia y París donde estudia Bellas Artes. Tras una etapa surrealista (1975 – 78) comienza a realizar paisajes figurativos realistas, inspirados en las tradiciones locales de Salamanca. El retrato también será importante dentro de su producción al igual que la escultura en bronce. Posteriormente comenzará a realizar performances e instalaciones.

Ha expuesto en Estados Unidos y Latinoamérica. El grupo de poetas y artistas visuales latinoamericanos la incorporan en su grupo y participa con ellos en sus proyectos e ideas. Invitada en varias ocasiones a la casa estudio en Manhattan de Louise Bourgeois, intercambian afinidades con su obra de bordados. Además es invitada como artista española por las Naciones Unidas a realizar una instalación por la Paz en el Bandshell del Central Park y se le entrega un premio por la obra realizada Tiras por la Paz.

Untapped Lledó nos invita a reflexionar sobre nuestra identidad, nuestros orígenes, nuestra cultura. Elisa Merino reivindica el reconocimiento de aquello más significativo en las raíces de un pueblo, en este caso el mediterráneo Castellón. Con la Mare de Déu de Lledó como centro, plantea la importancia de la actividad agrícola, semilla de progreso y fuente que tantas riquezas ha otorgado a estas tierras a lo largo de la historia, actualmente agonizante y en declive entre las generaciones más jóvenes.
“Elisa Merino construye algo de sí misma a través de su objeto”.

Salomé Rodríguez

Salomé Rodríguez, Obra Negra II.

Salomé Rodríguez, Obra Negra II.

Salomé Rodríguez se ha formado en su Colombia natal (Estudios en Sociología y Maestría en Bellas Artes en Cali, Colombia) y en Valencia (licenciatura en Bellas Artes y Doctorado en Arte Público).
Su producción ha girado en torno a la instalación, la performance y el happening, destacando diversos proyectos como su serie Obra Negra, La Puerta Phi, o la conversación – performance Cabello Rizado.

Recibe influencias de artista como Beuys, Kounellis, o Ana Mendienta.

El tiempo es arte:

Lo considero este concepto del Arte, como tiempo. Definiendo mi quehacer creador a sabiendas que somos parte de un todo y a una necesidad de cambio de paradigma. También me adhiero al concepto de JOSEPH BEUYS, de “encausar las energías vitales que orientan el acto creativo en cualquier trabajo o accionar humano” para hablar de mi producción plástica a tres manos. Parto de la necesidad del fortalecimiento de lo individual para poder responder a lo colectivo y, lo hago a través de mitologías personales, a través de objetos cotidianos, transformando el mundo habitual en un campo espiritual. Salomé Rodríguez.

Fernando Rodríguez Colino (GUN)

GUN - Tríptico Marlene come pollo.

GUN – Tríptico Marlene come pollo.

Las coloristas obras de GUN nos trasladan a un mundo de fantasía y sensualidad donde la figura humana es la auténtica protagonista. Sus creaciones pueden remitirnos al primer Matisse.

El propio GUN nos habló acerca de su obra y sus inquietudes artísticas:

Quiero enfatizar en este punto que lo que me llevó y me lleva a dibujar, pintar, y más tarde a modelar, esculpir, escribir, recortar, tejer o realizar cualquier otra actividad que podríamos denominar “creativa” tendríamos que encuadrarlo dentro de una necesidad vital o instinto.El mundo onírico, la melancolía, la ironía, el gozo, el humor, el dolor, la sátira, la crítica social, la rabia, la sensualidad y multitud de otros elementos se distribuyen en mayor o menor proporción en muchos de mis trabajos. Encuadrar o clasificar mi obra, ni me interesa ni me parece posible, ya que no hay tendencia firme ni objetivo, ni quiero que lo haya. No quiero fronteras ni casillas que me impidan moverme, desarrollarme, respirar… GUN.