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Liliana Porter, Wrinkle Environment Installation I. (*)

Una o dos veces al año el DA2 organiza grandes exposiciones colectivas dedicadas a una temática determinada como puede ser el arte y la violencia política, el idilio y la naturaleza, las máscaras de los roles sociales o incluso la música rock. Brevemente señalaré algunas de las más relevantes exposiciones colectivas que han tenido lugar en el DA2.

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Comer o no comer

Comer o no comer (noviembre 2002 – enero 2002): Esta muestra, a partir de un proyecto de Darío Corbeira, propone una revisión estética de la definición de la imagen de la comida en las nuevas creaciones a lo largo del S. XX en un contexto global en el que una gran parte de la población mundial se muere de hambre. Cuenta con artistas muy importantes a nivel nacional e internacional: Joseph Beuys, Anna y Bernhard Blume, China Adams, Günter Brus, Juan Gris, Richard Hamilton, Salvador Dalí, Marcel Duchamp, George Grosz, Félix González Torres, Luis Gordillo.

La odisea americana

La Odisea Americana 1945/1980. El debate de la Modernidad (junio – julio 2004): Esta exposición itinerante, se realizó también en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (abril – mayo 2004), en el Kiosco Alfonso de La Coruña (septiembre – octubre 2004) y en Nueva York en el QCC Arte Gallery Queensborough College (octubre 2004 – enero 2005).

La Odisea Americana analiza los primeros movimientos estadounidenses de Vanguardia, cuyo desarrollo concluyó con el desplazamiento definitivo del centro artístico mundial desde París a Nueva York tras la 2ª Guerra Mundial. Los expresionistas abstractos comenzaron a confiar en sus propias experiencias y visiones que transmitieron al lienzo del modo más directo. Rehusaron poner límites al contenido emocional de su pintura y aceptaron la ambigüedad y la irracionalidad como factores inherentes a la naturaleza humana.

Además del Expresionismo abstracto en la exposición se dan cita movimientos como la abstracción postpictórica, el Minimalismo, el nuevo Realismo norteamericano, el assamblage o el Pop Art.

La muestra, ideada y comisariada por Stephen C. Fosten, supone un proyecto ambicioso por su complejidad y extensión. En él se exhiben más de cien obras de ochenta artistas entre los que destacan: Jackson Pollock, Jasper Johns, Willem de Kooning, Andy Warhol, Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg, Roy Lichestein.

No lo llames performance

No lo llames performance (agosto – octubre 2004): Esta exposición es una coproducción del Museo del Barrio de Nueva York y del DA2 y se ha mostrado de forma itinerante en diversos centros u museos de España, Nueva York y Suecia. Originalmente fue organizada para el Departamento de Audiovisuales de del MNCARS (donde se exhibió en octubre de 2003) bajo la dirección de Berta Sichel.

El proyecto pone de relieve la “naturaleza preformativa” que prevalece en el arte contemporáneo, a través de una serie de programas de video e intervenciones en vivo que señalan de manera nítida las diferencias con el performance clásico. Se trata de un cambio conceptual y formal a través de estas últimas décadas y que sigue manteniendo la capacidad de situar al artista y al público en un contacto directo, además en estos últimos años la performance tendrá una gran capacidad de influencia en todos los ámbitos de la creación artística.

Es un tipo de exposición que conecta muy bien con el público, ya que requiere una participación directa y hasta en algunos casos activa. El espectador participa de la obra y en la obra, esta es una forma efectiva de hacerle llegar el mensaje que el artista quiere transmitir.

Laocoonte devorado

Laocoonte Devorado: Arte y violencia política (febrero – abril 2005): En esta muestra, que pasó también por el Artium de Vitoria y por el centro José Guerrero de Granada, tiene como protagonista un tema candente de gran actualidad: la violencia política y el Arte. La muestra se abre con significativas imágenes de los Desastres de la Guerra de Goya que nos muestran un claro ejemplo de cómo el Arte es un espejo histórico de la realidad.

Las obras, algunas de las cuales son imágenes de extrema dureza, tiene un fuerte componente crítico, realizando una revisión histórica de la relación entre Arte y violencia. La exposición, junto con otras realizadas en el DA2 (como Barrocos y Neobarrocos) ha tenido cierta polémica ya que debemos plantearnos hasta que punto se está justificada la exhibición de obras tan duras.

Podría frivolizarse sobre un tema serio y que tiene una justificación crítica. Pero en esta exposición seguro que no faltó un cierto componente morboso a pesar de que los organizadores matizaron que no querían recalcar estos aspectos truculentos pero asumieron que se trataba de un tema delicado de tratar y que muchos espectadores se sentirán incómodos. Otro de los objetivos es dar la palabra a los artistas y reivindicar la democratización de cuestiones fruto de la sinrazón, generando un debate crítico, una reivindicación.

Por otra parte este componente morboso resulta muy atrayente para el público. El propio título y la temática tienen un “gancho” comercial para el gran público que no va a exposiciones de arte contemporáneo porque no las entiende o le resulta extremadamente complejo puede que sí acuda a una exposición así debido a sus características formales y a que se trata de un tema de absoluta actualidad (con gran presencia por ejemplo de obras sobre el conflicto vasco).

Barrocos y neobarrocos

Barrocos y Neobarrocos. El infierno de lo bello (octubre – diciembre 2005): Esta exposición, que se distribuyó en diversas salas de la ciudad como el Palacio de Abrantes y la Sala Santo Domingo de la Cruz, gira en torno a la idea del componente estético Barroco del arte actual en el que la vida se convierte en un gran teatro, en puro espectáculo del que sólo se forma parte mirando y siendo mirado.

En el Neobarroco el artista tiene intención de representar el Mundo, solo que al hacerlo radicaliza la significación del concepto re- presentar, no estamos ante una representación de la vida, sino ante una representación “en lugar de la vida” como diría Baudrillard y no estamos ante una imagen del mundo sino su sustitución por el simulacro. Se crea por tanto un universo donde fantasía, realidad y violencia se entremezclan en una visión apocalíptica que crea una metáfora de la sociedad contemporánea (relacionando por ejemplo figuras y obras claves del Barroco con otras actuales.

Un ejemplo de creador neobarroco actual sería el diseñador Jean Paul Gaulthier o John Galiano. En el catálogo se muestra una comparación de la escultura del Laocoonte con el monstruo de la película Alien de Ridley Scott como una ejemplificación de la concepción Neobarroca actual).

Las obras de la muestra, donde se dan cita todo tipo de soportes y formatos (especialmente grandes instalaciones, videoarte y fotografía) pertenecen a un gran número de artistas como: Judith Barry, Franz Ackermann, AES + F, Pablo Alonso, Matthew Barney, Philippe Bradshaw, Berlinde de Bruyckere, Lee Bul, Alex Campoy, Raúl Cordero, Jan Fabre, Bill Henson, Dionisio González, entre otros.

Mascarada

Mascarada (octubre – diciembre 2006): Esta muestra presenta una reflexión sobre las máscaras, pero no sólo en un sentido carnavalesco sino en toda la extensión de su significado, máscaras como identidad, máscaras como negación de la identidad (por ejemplo se aborda el tema del travestismo), las máscaras de los actores e incluso las máscaras como documento antropológico y manifestación de la cultura popular española.

La muestra se subdivide en distintos apartados: autorretrato y ficción narrativa (representado por obras de artistas como Cindy Sherman o Irene Andessner), Mascaradas familiares (Mira Bernabeu, Alison Jackson…), la máscara y sus actores (Steven Klein, Sam Taylor Wood), lo grotesco (Charlie White, Olaf Breuning), Queer As Folk (Leigh Bowery / Fergus Geer, Risk Hazekamp), la condición post-humana (Marcelí Antúnez), máscaras políticas (Larry Fink, Pavel Wolberg) y las máscaras como documento antropológico (Juan Francisco Blanco).

Rock my religion

Rock my religión. Cruce de caminos entre el Rock y las artes visuales (octubre 2008 – enero 2009): Se trata de la última gran exposición del DA2, con motivo del Festival de Fotografía de Castilla y León (Explorafoto) centrada en un tema de gran popularidad como es la música Rock y toda la cultura masiva que genera a su alrededor. Encontramos obras de más de cincuenta artistas, que van desde el Pop Art (Hamilton y Warhol) a las manifestaciones más recientes, pasando también por obras de fotógrafos consagrados como Robert Mapplethorpe, obras del Grupo Fluxus (Joseph Beuy, e incluso portadas de discos que han marcado una hito en la historia de la música moderna. Se incluye un apartado sobre fotografía de conciertos de Rock realizados en la ciudad de Salamanca.

La muestra tuvo lugar en distintos espacios de la ciudad como el Palacio de Congresos, la Casa de las Conchas, el Palacio de la Salina o la Sala Unamuno, muchos de ellos espacios renacentistas que suponen un marcado contraste en la contextualización y exhibición de las obras. La exposición tiene todos los ingredientes para ser un gran éxito de público debido a las características de un tema tan popular.

Espacio emergente: una apuesta por los artistas locales más innovadores

El DA2 incluye en su programación un espacio (el llamado Espacio Emergente) que se dedica a la organización de exposiciones y a la promoción de los artistas de últimas tendencias vinculados a la ciudad de Salamanca (o bien porque se hayan formado en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca o porque su trayectoria creativa se desarrolla en esta ciudad) y también al ámbito castellanoleonés. Esta apuesta por nuevos creadores locales pretende ser un punto de referencia y promoción de artistas, algunos aún en formación, dándoles una oportunidad de exponer y dar a conocer su obra, muy prometedora en la mayoría de los casos. Como artistas importantes que han expuesto recientemente en Espacio Emergente me gustaría destacar a Hugo Alonso, Diego del Pozo, Fernando Malmierca, Paloma Pájaro o Alfredo Omaña.

Actividades del DA2

El DA2 completa su oferta expositiva con proyectos paralelos de música y artes escénicas (Música pop: ciclos + que POP, Screaming in digital), ciclos sobre diseño (de gran relevancia fue el Ciclo Arte y Diseño de Bombay Saphire, que contó con una serie de conferencias y una exposición de objetos de diseño seleccionados por el artista Javier Mariscal), ciclos de cortometrajes y videocreaciones (Playtime, + que Video), la realización de una Graffity Party con la participación de numerosos representantes del arte esta cultura urbana, performances (Programa Post Performance) y danza, a lo que contribuye la infraestructura de la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura.

Vinculado al programa expositivo se mantiene un completo programa de publicaciones especializadas en las que destacan las monografías de artistas y la edición de textos teóricos sobre los usos y significados de la imagen.

Por otra parte, en colaboración con otras instituciones como la Universidad de Salamanca se está trabajando en el desarrollo de proyectos didácticos novedosos orientados a niños y jóvenes y a la formación del profesorado de primaria. El centro además cuenta con una ludoteca y realiza talleres infantiles.

También habría que hablar de las visitas guiadas a las exposiciones, así como de un programa de reciente creación para acercar el arte contemporáneo a personas de la tercera edad (visitas guiadas específicas).

(*) Imagen de Portada: Anagoria. Creative Commons License.