Hemos aprendido historia del arte en los manuales y libros de las bibliotecas, hemos podido conocer la obra de grandes artistas en los museos de todo el mundo, pero la vida de los grandes protagonistas de la historia del arte también ha sido contada en el cine, unas veces de manera más precisa que otras, pero siempre intentándonos transmitir cómo fue la vida y obra de los grandes maestros.

Estas son las películas que un historiador del arte debería conocer:

1) Rembrandt (1936)

Rembrandt es una película británica realizada en 1936 por Alexander Korda y basada en la biografía del pintor holandés. La película muestra dos momentos claves de su vida. Primero en 1642 cuando Rembrandt (Charles Laughton) se enfrenta a la muerte de su esposa. Este hecho le afecta profundamente y hace que su pintura se vuelve más oscura, dramática y pesimista, algo que disgusta enormemente a sus mecenas. El segundo momento clave es el año 1646, cuando se muestra a un Rembrandt arruinado que conoce a la bella Hendrickje con quien inicia una relación extraconyugal.

A pesar de que el director se centra, sobre todo, en los aspectos afectivos, personales y financieros del artista, presenta una interesante reflexión sobre la complejidad humana y demuestra que su parte afectiva influyó enormemente en su técnica pictórica. La interpretación del protagonista es excelente y destaca su enorme parecido con el pintor holandés. Otro aspecto destacable es la belleza de la fotografía y los decorados. Es una pena que la película sólo muestre una de sus obras: “Ronda de noche” de 1642.

La película ha recibido muy buenas críticas y fue premiada como Mejor película extranjera en los premios National Board of Review.

Existen otras versiones sobre la figura de Rembrandt. Una realizada en 1977 dirigida por el director alemán Josh Stelling quien muestra al artista ya anciano pintando una serie de autorretratos a la vez que va realizando un repaso por su vida. Una de las escenas más interesantes es cuando está preparando los pigmentos o los lienzos para pintar.

Otra versión, esta vez del año 1999, es la coproducción germano-franco holandesa dirigida por Charles Matton basada en su biografía. Un punto a favor de esta versión es la excelente ambientación conseguida de la época, que le llevó incluso a recibir el premio César por el Mejor diseño de producción. De hecho, algunas obras del artista parecen cobrar vida como La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp.

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2) Soberbia – The Moon and Sixpence (1943)

La primera película dirigida por Albert Lewin se basó en la novela corta del escritor inglés William Somerset Maugham de 1919. En ella se narra la vida del artista Paul Gauguin enmascarado en la vida del protagonista Charles Strickland, un financiero que decide abandonar a su familia para trasladarse a París a dedicarse a la pintura. Posteriormente decide huir a Tahití donde encuentra la inspiración para crear un estilo propio.

Un dato curioso es que el primogénito del pintor, Émile Gauguin, amenazó con demandar a la compañía cinematográfica estadounidense United Artists si se empeñaban en emplear las obras originales de su padre en la película ya que consideraba que trataba de igualar a su padre con el protagonista. A pesar de no tratarse de una de las mejores películas de Lewin, Soberbia cuenta con algunas cualidades: se trata de una atractiva adaptación de la novela en general, porque sigue las líneas del relato, pero en algunos momentos resulta un tanto floja en comparación con la novela.

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3) El Loco del Pelo Rojo – Lust for Life (1956)

Película estadounidense dirigida por Vicente Minelli que reconstruye la vida del artista Vicent Van Gogh, interpretado por Kirk Douglas. Retrata su atormentada vida de manera cronológica desde sus relaciones religiosas con las zonas mineras de Bélgica hasta su contacto con los artistas impresionistas de París, pasando por el contacto con la pintura de su país natal. Se tratan sus complejas relaciones amorosas y el apoyo incondicional de su hermano Theo. A través de un recorrido por su obra, se reflejan la soledad, el fracaso y la ansiedad que le llevaron a volverse loco.

La película está basada en la biografía de Irving Stone de 1934. A la vez que se muestra el contenido dramático de su vida, se tratan algunas características de su producción artística. La película muestra la excelente interpretación de Kirk Douglas quien transmite con facilidad la angustia que sufre el personaje. Sin embargo, éste sólo quedó nominado y fue Anthony Quinn, quien interpreta a un Gauguin un tanto arrogante, quien recibió el Oscar por como Mejor actor de reparto.

La belleza de la película reside en que los datos biográficos van mezclándose correctamente con algunas imágenes de sus obras. La recreación histórica también está bastante conseguida salvo algún error como cuando se muestra el momento en que se conocieron ambos artistas: Van Gogh conoció a Gauguin antes de que se marchase a la Martinica y no después.

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4) Los Amantes de Montparnasse – Montparnasse 19 (1958)

Película francesa de 1958 dirigida por Jacques Becker que retrata los últimos meses de vida del artista italiano Modigliani (Gérard Philipe) en París. Se muestra como el artista fue rechazado constantemente por sus contemporáneos, viviendo en la miseria, abusando del alcohol y acompañado por la joven burguesa, Jeanne, de quien se enamora.

Excelente retrato de un artista atormentado y excelente interpretación la de Gérard Philipe. Quizás hubiese sido interesante que el director mostrase algunos fragmentos sobre la obra del artista y no tanto sobre su estilo de vida.

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5) El Greco – The Man Called Greco (1966)

La primera producción sobre la figura de El Greco es esta película italiana dirigida por Luciano Salce de 1966 basada en la vida de Doménikos Theotokópoulos. La película comienza narrando el período toledano del artista, cuando empieza a destacar entre el resto de artistas de la ciudad y recibe sus primeros encargos importantes. Sin embargo, todo cambia cuando es acusado de herejía y lo encierran en el calabozo. Este hecho impide al artista conocer a su hijo, quien se presenta tiempo después en su taller como aprendiz.

El guión en principio estaba basado en un libro sobre El Greco escrito por Gregorio Marañón, pero en seguida fue falseado. A pesar de que se centra más en tópicos como los enfrentamientos entre el artista y la Inquisición, las vistas de la ciudad de Toledo son interesantes y es importante destacar la maravillosa banda sonora de la película a cargo del célebre Ennio Morricone, considerada una de las mejores de toda su carrera.

Otra versión española sobre su figura y poco conocida es El Caballero de la mano al pecho, de 1975 dirigida por Juan Guerrero Zamora que quizás sea la película más interesante sobre el artista. En ella se muestra una excelente representación de la sociedad toledana del siglo XVI. El guión es una adaptación de una novela de la escritora húngara Elisabeth Szel. Es recomendable aunque quizás resulte un poco lenta.

Existe otra versión, una costosa coproducción del año 2007 de Grecia, España y Hungría dirigida por Yannis Smaragdis y cuyo protagonista es Juan Diego Botto: El último desafío a Dios, que tuvo mucho éxito en Grecia pero ninguno en España.

Como historiador del arte te recomendamos que veas el documental griego realizado por Lefteris Haronitis sobre El Greco, que contó con la participación de importantísimos historiadores del arte como Giulio Carlo Argan y José Manuel Pita Andrade.

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6) El Tormento y el Éxtasis – The Agony and the Ecstasy (1965)

Esta película de 1965 dirigida por Carol Reed se desarrolla durante el Renacimiento italiano cuando el papa Julio II (Rex Harrison) encarga al artista Miguel Ángel Buonarroti (Charlton Heston) los frescos para decorar las bóvedas de la capilla Sixtina entre 1508 y 1512. El artista rechaza el encargo y decide huir de Roma pero cuando finalmente acepta el proyecto, comienza a mostrarse la tormentosa relación entre el artista y el mecenas debido al difícil temperamento del artista y a los temores de Julio II quien le preocupaba morir antes de que finalizase la obra.

Uno de los aspectos más interesantes de la película es la manera de mostrar de manera bastante didáctica las técnicas empleadas a la hora de realizar los frescos de la capilla.

La película está basada en la excelente novela histórica de Irving Stone “La Agonía y el éxtasis” y fue nominada 5 veces a los premios Oscar. Ha recibido algunos premios importantes como el premio David de Donatello a mejor producción extranjera.

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7) Caravaggio (1985)

Esta película realizada en 1985 y dirigida por Derek Jarman comienza por el final de la vida de Michelangelo Merisi conocido como Caravaggio. En su lecho de muerte comienza a recordar sus comienzos como pintor. La película muestra cómo el artista al quedarse huérfano se traslada a Milán donde se inicia como pintor y cómo finalmente abre su taller en Roma donde recibe importantes encargos por parte de la iglesia. Se muestran además los conflictos religiosos y políticos de la época, sus aventuras amorosas, sus éxitos y su decadencia.

A pesar de que ha recibido numerosas críticas y muchos aconsejan no verla, la película recibió el premio Oso de Plata del Festival de Berlín en el año 1986.

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8) Dalí (1991)

Película española dirigida por Antonio Ribas que cuenta la llegada de Salvador Dalí a Nueva York en 1940. Allí contará la historia de su vida a un periodista, centrándose en su relación con Gala (Sarah Douglas), sus obsesiones, relaciones y experiencias que marcaron su vida desde su infancia en Figueres.

La película se recrea en la personalidad del artista y muestra la obsesiva relación con su padre, la adoración que sentía por su madre y después por Gala, y su obsesión por los sueños, la muerte y las alucinaciones. La verdadera intención del director es la de mostrar el Dalí público conocido por todos y al Dalí desconocido y aunque se trate de una película floja, a fecha de hoy, aparte de los documentales, no se ha realizado ninguna película sobre su vida en condiciones.

9) Sobreviviendo a Picasso – Surviving Picasso (1996)

Película británica realizada en 1996 y dirigida por James Ivory que nos narra la relación que mantuvo el artista malagueño Pablo Picasso, interpretado por Anthony Hopkins, con la joven Françoise Girot entre 1943 y 1953. La película comienza en el París de 1943, durante la ocupación alemana, cuando Picasso conoce a su amante y futura madre de sus dos hijos. Se muestra como François tuvo que soportar las infidelidades, las manías y el fuerte carácter del artista. Sin embargo, la película no profundiza en la complejidad de su obra, sino que se centra más en las anécdotas y en mostrar el carácter cruel y despótico del artista aunque también se muestra como hombre seductor y con sentido del humor.

La película está bastada en la polémica biografía de Arianna S. Huffington titulada Picasso: Creador y destructor. La familia del artista se opuso a la película alegando que se mostraba a un Picasso egoísta y manipulador. La familia incluso amenazó con boicotear el estreno. El director también tuvo problemas con el decorado ya que los herederos, empujados por la mismísima François Gilot, no autorizaron la aparición de ninguna obra original del artista. Por expreso deseo de la familia, el director tuvo que buscar un experto que realizara las copias de los originales pero siempre prestando atención en no copiarlas literalmente. De hecho, los picassos falsos que cuelgan de las paredes del decorado son, para muchos, horripilantes.

Como historiador del arte, es interesante observar algunos de los escenarios donde se desarrolló la vida del artista como su estudio en París o la casa que compró en Vallauris y donde convivió varios años con François Gilot.

Pero quizás más interesante que esta película es el documental francés de 1956 titulado El Misterio de Picasso (Le Mystère Picasso) que ofrece a los espectadores la posibilidad de conocer la técnica y el modo de trabajo de Picasso en el estudio del artista. Este interesante documental recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 1956.

Conseguir la película Surviving Picasso

10) Basquiat (1996)

Del mismo año de 1996 fue realizada esta película dirigida por Julian Schnabel basada en la vida del artista postmoderno y neoexpresionista Jean-Michel Basquiat. La película hace un repaso por la corta vida del artista desde sus inicios realizando graffitis por las calles de Brooklyn hasta el descubrimiento por parte de Andy Warhol a principios de los 80. El film muestra el alcance del éxito cuando presentaba su obra en grandes exposiciones de la ciudad de Nueva York. En el momento en que sus obras fueron adquiridas por grandes museos y coleccionistas privados, Basquiat no pudo controlar su éxito y se sumergió en el mundo de las drogas. Murió a los 27 años de sobredosis.

Basquiat es interpretado por Jeffrey Wright y su amigo y mentor Andy Warhol es interpretado por el recientemente fallecido David Bowie. También aparece el actor Benicio del Toro realizando una excelente interpretación. De hecho, según los críticos, lo mejor de la película es el reparto y la excelente banda sonora interpretada por The Pogues, Van Morrison, Tom Waits, John Cale y David Bowie.

La película fue nominada al León de Oro del Festival de Venecia y Benicio del Toro recibió el premio al Mejor actor de reparto en los Independent Spirits Awards.

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11) Toulouse Lautrec (1998)

Se trata de una coproducción franco-española dirigida por Roger Planchon que narra la vida e historia de amor entre el pintor Henri de Toulouse-Lautrec y Suzanne Valdon.

El guión se basa en las cartas que el artista escribió a su familia. El director se centra más en la figura del artista que en su obra. Quizás, por lo tanto, sea más interesante la versión estadounidense de 1952 titulada “Moulin Rouge” de John Huston quien supo captar a la perfección el ambiente de aquel París de finales del siglo XIX. Centrada sobre todo en su vida amorosa, se considera una película más realista y emocionante y muestra además la excelente interpretación de José Ferrer. Esta versión del año 1952 recibió numerosos premios.

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12) Pollock: La vida de un creador (2000)

Película estadounidense producida y dirigida por Ed Harris y protagonizada por él mismo en el papel principal. Está basada en la vida del pintor abstracto Jackson Pollock. El film narra la vida del artista desde los años 40 cuando lucha por alcanzar el éxito apoyado por su mujer, pasando por la creación del action-painting hasta su muerte en 1956. Se muestra a lo largo del film la compleja personalidad del artista, sus inseguridades y su adicción al alcohol.

Como historiador del arte es interesante descubrir a personajes relevantes de la cultura estadounidense de la posguerra que aparecen a lo largo de la película como la pintora judía Lee Krasner con quien se casa, el pintor Willem de Kooning o su mecenas Peggy Guggenheim.

Los mejores momentos de la película son, sin duda, cuando Pollock se enfrenta al lienzo y muestra su original técnica a base de movimientos esporádicos y la excelente interpretación de Harris mostrándonos a un Pollock con una personalidad única, brutal y atormentada.

La película recibió la nominación en los Oscar por la mejor actriz secundaria para Marcia Gay Harden quien interpreta a Lee Krasner y quien también recibió el premio en el Círculo de Críticos de Nueva York. Por otro lado, Ed Harris recibió el premio como Mejor actor en el Festival de Toronto del año 2000.

Conseguir la película Pollock

13) Frida (2002)

En el año 2002 Julie Taymor nos cuenta en Frida la existencia dolorosa y poética de la artista mexicana Frida Kalho, su relación tormentosa con el también artista Diego Rivera, su affaire con Leon Trotsky y sus aventuras amorosas con algunas mujeres. La película muestra a una mujer revolucionaria e inigualable.

La película se basa en los libros escritos por Hyden Herrera. Algunos críticos opinan que quizás la película se centra demasiado en la vida amorosa de Frida y no tanto en su faceta como artista por lo que si estás buscando profundizar en su obra, quizás sea más interesante ver algún documental como el realizado en el año 2009: Frida Kahlo – Art Documentary, versión del documental de 1983 “Retrato de una artista – Frida Kahlo” que ofrece una interesante descripción de su producción artística.

La película Frida de 2002 obtuvo 6 nominaciones a los premios Oscar y consiguió 2: como Mejor maquillaje y mejor banda sonora original. Recibió otros premios entre los que destaca la nominación al León de Oro en el Festival de Venecia. Salma Hayek fue nominada como Mejor actriz en los Critics Choice Awards y en el Sindicato de actores (SAG).

Conseguir la película Frida

14) La Joven de la Perla – Girl with a Pearl Earring (2003)

Dirigida por Peter Webber, esta película británica realizada en el año 2003 es una adaptación cinematográfica basada en la novela histórica escrita en 1999 por Tracy Chevalier. La acción de la película se desarrolla en Delft, Holanda y está centrada en la obra La joven de la perla realizada por el artista holandés Johannes Vermeer.

La película trata de la relación especial que surge entre la joven Griet (Scarlett Johansson) y Vermeer (Colin Firth). Griet entra como empleada en el hogar de la familia de Vermeer y empieza a conocer el arte de la pintura a través de los trabajos del artista. Rápidamente su delicadeza y sensibilidad llaman la atención de Vermeer, quien harto de los celos de su esposa y del carácter de su suegra, establece una conexión especial con la joven. El resultado final del film será la finalización de esta gran obra de arte.

Lo realmente sorprendente de la película es la exactitud de la ambientación, los detalles de las telas y de los objetos, la iluminación, la belleza fotográfica y el empleo de los colores que parecen proceder de la paleta del propio artista.

A pesar de que ha recibido numerosas nominaciones, ha ganado pocos premios, entre los que destacamos a la mejor fotografía en el Festival de cine de San Sebastián y en los Premios del Cine Europeo. También ha recibido las nominaciones como mejor película europea en los Premios Goya y en los Premios David de Donatello.

Conseguir película La joven de la perla

15) Los Fantasmas de Goya (2006)

Película hispano-estadounidense dirigida por Miloš Forman que narra la historia a través de los ojos del pintor aragonés, interpretado por Stellan Skarsgård. La acción se desarrolla a partir del año 1972, en los últimos años de la Inquisición española hasta la derrota de la ocupación francesa y la restauración de la monarquía española. El hermano Lorenzo (Javier Bardem), monje perteneciente a la Inquisición, se involucra con la joven musa del pintor, Inés (Natalie Portman) quien es injustamente acusada de herejía y entra a prisión por un período de 15 años. Cuando finalmente sale de prisión se encuentra una España muy cambiada, descubre que su familia ha sido asesinada y a un Goya sordo.

La película recibió duras críticas. Muchos opinan que la trama es confusa y muestra un argumento alejado de la realidad. Es aconsejable, por lo tanto, que si quieres ver la película y apreciarla con profundidad, lo mejor es conocer antes la obra de Goya y el contexto histórico que lo rodea. A pesar de algunos aspectos negativos, la ambientación escénica es magnífica.

Existe otra versión estadounidense basada en la figura del artista, del año 1958 y dirigida por Henry Koster. Se titula La maja desnuda (The Naked Maja) y está protagonizada por Ava Gardner. En ella se narra el momento en que Francisco de Goya desea realizarle un retrato a la Duquesa de Alba con la que inicia un apasionado romance y la que le lleva a convertirse en un famoso pintor. La película recibió el premio David de Donatello como mejor producción y, aunque en algunos momentos no sea fiel a la cronología de la historia, el director se aproxima bastante a la apasionada relación que mantuvieron. La fotografía es aceptable y la banda sonora excelente.

Conseguir película Los Fantasmas De Goya

16) Renoir (2012)

Película francesa dirigida por Gilles Bourdos se basa en la vida del artista Pierre-Auguste Renoir. La acción de desarrolla en el año 1915 en la Costa Azul, cuando el artista (Michel Bouquet) siente la pérdida de su esposa, sufre artritis y le informan de que su hijo Jean (Vincent Rottiers) ha sido herido en la guerra. Pero todo cambia cuando entra en su vida la joven Andrée (Christa Theret) que se convierte en su última musa. A su vez, llega a casa su hijo Jean quien rápidamente se siente atraído por la joven y termina enamorándose de ella a pesar de la oposición de su padre.

Fue seleccionada para los Oscar de 2014 como mejor película de habla no inglesa pero finalmente no consiguió ser finalista. El director Bourdos muestra la última etapa del pintor y la influencia que ejerció en su hijo Jean, que se convertiría en director de cine mostrando en sus primeras obras la estética impresionista.

La película se centra sobre todo en la imagen para mostrarnos una extraordinaria fotografía acompañada por la excelente composición musical de Alexandre Desplat. Sin embargo, es una pena que el ritmo de la película resulte un tanto monótono.

Coincide en su argumento con la película española de Fernando Trueba, El artista y la modelo, también realizada en ese mismo año, donde se narra la última parte de la vida de un escultor de avanzada edad que vive aislado en la Francia de 1943. Una joven española refugiada llega a su casa y el artista recobra sus ganas de vivir y de nuevo la inspiración artística.

Recibió muy buenas críticas. Aunque se vuelve bastante reiterativa en su temática, fue nominada 13 veces a los Premios Goya, recibió la Concha de Plata al Mejor Director y fue preseleccionada como mejor película de habla no inglesa para los Premios Oscar.

Conseguir película Renoir

17) Turner (2014)

Film británico dirigida por Mike Leigh basado en la vida del pintor británico William Turner, interpretado por Timothy Spall. Describe los 25 últimos años de la vida del artista mostrando su enigmática personalidad y sus profundos sentimientos. Se reflejan sus relaciones con su esposa e hijas a quienes no presta atención alguna y sus relaciones con la aristocracia del momento que aprecian su talento pero que no entienden y rechazan la evolución de su obra.

La película recrea con rigor y precisión la personalidad del artista y retrata de manera exquisita en entorno artístico de la Inglaterra de finales del XIX. Es sorprendente y muy creíble la interpretación que realiza Timothy Spall y que le llevó incluso a conseguir el premio como Mejor Actor en el Festival de Cannes. La película recibió además el premio especial del jurado por una excelente fotografía.

Conseguir película Mr. Turner

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